El Museo del Traje de Madrid: Un Viaje a la Historia de la Moda y la Indumentaria Española

Situado en la Ciudad Universitaria de Madrid, el Museo del Traje es un espacio dedicado a preservar y difundir la evolución de la vestimenta en España a lo largo de los siglos. Este museo no solo exhibe prendas de vestir, sino que también ofrece un recorrido cultural que refleja cambios sociales, políticos y estéticos de distintas épocas, desde el siglo XVI hasta la moda contemporánea.

El origen del museo se remonta a la emblemática Exposición del Traje Regional e Histórico de 1925 en Madrid, un evento que reunió miles de prendas y obras documentales que sentaron las bases para la creación de una institución dedicada exclusivamente a la indumentaria. Tras varios cambios de sede y reorganizaciones en las décadas siguientes, en 2004 se consolidó la actual sede en la antigua ubicación del Museo Español de Arte Contemporáneo, ampliando además su misión al ámbito de la investigación del patrimonio etnológico.

El museo alberga una rica colección que se subdivide en varias áreas. Por un lado, cuenta con piezas históricas significativas desde los siglos XVI y XVII, pasando por un amplio repertorio de indumentaria tradicional regional española, con más de 5000 piezas que ilustran la diversidad cultural del país. Además, la colección contemporánea destaca con creaciones de reconocidos diseñadores españoles como Mariano Fortuny, Cristóbal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz y Paco Rabanne, entre otros, incluyendo piezas emblemáticas como vestidos que lució Audrey Hepburn en "Desayuno con diamantes".

Más allá de la ropa, el Museo del Traje exhibe joyería, sombreros, calzado tradicional, guantes y otros complementos que complementan el entendimiento de la moda como un fenómeno complejo y multidimensional. La exposición se estructura en torno a temáticas como la evolución de los cánones estéticos, las técnicas textiles y los contextos sociales del vestir, permitiendo al visitante tocar réplicas y materiales para una experiencia sensorial y educativa.

Dioses y Mareas: Un Viaje Artístico Mítico y Mediterráneo en el Centro Cultural Pablo Ruiz Picasso

La exposición “Dioses y Mareas”, que se puede visitar gratuitamente en la Sala Elena Laverón del Centro Cultural Pablo Ruiz Picasso hasta el 19 de noviembre de 2025, es un proyecto conjunto del estudio Raia Branca, formado por los artistas Armindo Ferreira y Sixto Serra. Esta exhibición propone una mirada contemporánea a la mitología y la identidad de Torremolinos, fusionando escultura y pintura como un homenaje al mar y a las figuras emblemáticas que han marcado la historia y cultura local.

La muestra incluye once grandes telas que representan personajes variados, desde figuras icónicas como Brigitte Bardot, que tuvo una relación cercana con la ciudad, hasta tótems inspirados en los troncos que el mar arroja a la costa. Estas obras buscan reflejar las interpretaciones y emociones asociadas a estos elementos naturales y culturales. Asimismo, el conjunto escultórico destaca cabezas de Antinoo, la célebre pareja del emperador romano Adriano, con detalles alusivos a la tierra malagueña, junto a dos esculturas de sirenas que evocan el encanto mitológico del Mediterráneo.

"Dioses y Mareas" no es solo una exposición, sino una invitación a descubrir un Torremolinos vivido y sentido, presentado a través del arte que trasciende palabras para expresar esencia, memoria y emoción. Las piezas combinan fuerza plástica y simbólica, generando un lenguaje visual que dialoga con el espectador sobre la historia, la naturaleza y el presente de esta ciudad costera.

Interwoven: diálogo global de artesanía y cultura en la Real Fábrica de Artillería

La exposición INTERWOVEN, que se celebra este otoño en Sevilla, destaca por ser el primer proyecto internacional de la serie Homo Faber Capsule, promovida por la prestigiosa Michelangelo Foundation for Creativity and Craftsmanship, en colaboración con el Ayuntamiento de Sevilla y la Asociación Contemporánea de Artes y Oficios (ACAO).​

INTERWOVEN —que significa “entrelazado”— toma como inspiración el patrimonio artístico y textil sevillano para celebrar la conexión entre culturas, materiales y técnicas, mostrando el diálogo entre la tradición artesanal y la creación contemporánea. El propósito principal de la exposición es visibilizar cómo la artesanía puede ser una forma viva de arte y un espacio de encuentro entre historias y emociones, permitiendo a los visitantes redescubrir la belleza de lo hecho a mano como una conversación entre pasado, presente y futuro.​

La muestra reúne 35 piezas excepcionales creadas por artesanos procedentes de 15 países, quienes representan 22 disciplinas como el bordado, la cerámica, la orfebrería y el vidrio artístico. Las obras expuestas fueron seleccionadas entre más de 800 propuestas enviadas por creadores registrados en la plataforma Homo Faber Guide, que agrupa a más de 3500 artesanos de 51 países. Entre los artistas destacados figuran el escultor textil surcoreano Minyeol Cho, la londinense Kamilah Ahmed —quien fusiona técnicas de bordado tradicional y digital inspiradas en el tejido bengalí jamdani—, la ceramista chilena Bernardita Cossio, y el taller marroquí Brodeuse Voyageuse.​

No faltan representantes andaluces: siete artesanos locales, incluyendo a Francisco Carrera Iglesias, aportan piezas que expanden los límites de sus disciplinas tradicionales

Se puede visitar hasta el 23 de noviembre en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla

Entre lo prohibido y lo sublime: “El infierno y las maravillas” en la Biblioteca Nacional

 La Biblioteca Nacional de España abre sus salas a una de las exposiciones más sugerentes de esta temporada: El infierno y las maravillas. Una muestra que invita al visitante a recorrer los límites de la imaginación y del conocimiento a través de obras que, durante siglos, fueron perseguidas, censuradas o convertidas en objeto de veneración.

El recorrido se estructura en dos espacios conceptuales y simbólicos. Por un lado, El infierno, inspirado en las célebres colecciones secretas de la BNE donde se conservaban libros considerados escandalosos o prohibidos: tratados de magia, erotismo, alquimia o herejía. Son volúmenes que, lejos de desaparecer, sobrevivieron al paso del tiempo como testimonio del pensamiento disidente y del poder de la palabra.

En contraste, Las maravillas despliega el asombro del ser humano frente a la belleza, la ciencia y el arte. Manuscritos iluminados, atlas del siglo XVI, bestiarios, enciclopedias y obras que recopilan el saber de épocas pasadas muestran la otra cara del conocimiento: la curiosidad inagotable, el deseo de comprender el mundo y la capacidad de crear belleza a través de los libros.

Una de las virtudes más notables de la exposición es su puesta en escena. La luz tenue, los vitrales que evocan antiguos gabinetes de curiosidades y la selección musical contribuyen a crear una atmósfera donde lo misterioso y lo fascinante conviven. Cada pieza expuesta parece contar una historia propia, desde los códices medievales hasta las primeras ediciones ilustradas de autores visionarios.

En conjunto, El infierno y las maravillas nos recuerda que las bibliotecas no son solo lugares de estudio, sino también escenarios de todas las pasiones humanas: el deseo de saber, la transgresión, la búsqueda de lo divino y la fascinación por lo oculto. Un viaje que nos lleva de lo prohibido a lo sublime, como solo los libros saben hacerlo.

Rocío Melgarejo: el viaje de lo visible a lo invisible

La artista Rocío Melgarejo presenta en la Sala Patricio su más reciente exposición titulada De la realidad a lo invisible, una muestra que invita al público a adentrarse en un viaje sensorial y emocional entre lo tangible y lo espiritual.

En esta propuesta, Melgarejo explora los límites de la percepción humana, utilizando una variedad de técnicas mixtas que combinan pintura, fotografía intervenida y elementos escultóricos. La artista logra transformar lo cotidiano en un espacio cargado de simbolismo, donde la luz y la textura se convierten en vehículos de introspección.

Cada obra revela una tensión entre lo visible y lo oculto, invitando a mirar más allá de la mera apariencia. El uso de colores tenues contrastados con zonas de vacío produce una sensación de silencio, como si cada pieza guardara un secreto. Así, De la realidad a lo invisible no solo apela a la vista, sino también al pensamiento y al alma.

La Sala Patricio se convierte así en un lugar de pausa y contemplación. La curaduría, sobria y equilibrada, potencia la narrativa visual de Melgarejo y refuerza el diálogo entre las obras. La artista propone un discurso sobre la memoria, la identidad y la trascendencia, abriendo un espacio de conexión entre el espectador y lo intangible.

Esta exposición confirma la madurez creativa de Rocío Melgarejo y su compromiso con una exploración artística profunda y poética. De la realidad a lo invisible estará abierta hasta finales de mes, ofreciendo una oportunidad única para experimentar arte que interpela la mirada y el espíritu.

Los graffitis de Villaverde: arte urbano con mensaje social en el sur de Madrid

Villaverde, uno de los barrios del sur de Madrid más industriales y populares, se está convirtiendo en un referente del arte urbano gracias a la intervención de artistas nacionales e internacionales que llenan sus calles de color, mensajes sociales y creatividad. Este distrito, que antes pasaba desapercibido, ahora brilla con murales que transforman sus espacios y construyen nuevas narrativas culturales.

El artista urbano Okuda San Miguel es uno de los máximos exponentes en Villaverde. Su obra más emblemática allí se encuentra en el polígono industrial Marconi, donde con su estilo característico de colores vibrantes y formas geométricas ha pintado un mural que simboliza la transformación y sostenibilidad. Otra obra importante es "Mo Evolution" en Villaverde Alto, que apoya causas sociales como el Movember, usando iconografía reconocible y una fuerte carga visual para transmitir conciencia sobre la salud masculina. La estética surrealista pop de Okuda combina arte, mensaje y reflexión, haciendo de sus murales puntos de encuentro cultural para la comunidad.

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Otros artistas que enriquecen Villaverde

Villaverde Walls y otros proyectos culturales han traído a murales a artistas como Sam3, cuyo trabajo también está presente en el distrito con piezas que dialogan con los vecinos, combinando sensibilidad social y técnica depurada. Además, el colectivo Boa Mistura ha contribuido a la transformación del Mercado Municipal de Villaverde Alto con un mural monumental que une arte y conciencia ambiental, utilizando pinturas fotocatalíticas que ayudan a purificar el aire y realzan la economía circular local.

El trabajo conjunto de artistas como Okuda, Sam3, Boa Mistura y otros nombres consolida a Villaverde como un epicentro emergente del arte urbano en Madrid. Los murales transforman la apariencia del distrito, acercan el arte a la ciudadanía y empujan hacia una recuperación social y cultural con identidad propia. Se esperan grandes eventos y festivales para 2026 que consolidarán aún más esta renovada imagen.

Villaverde es hoy un ejemplo palpable del poder del arte público para cambiar percepciones, fortalecer comunidades y dotar de belleza y significado a un entorno cotidiano. Los graffitis de Okuda y compañeros inspiran a visitantes y vecinos, mostrando que el arte urbano es un lenguaje vivo y llenos de posibilidades.

Looking for Carmen: homenaje a un icono andaluz en Sevilla

La exposición “Looking for Carmen” en la Casa Fabiola de Sevilla es un homenaje al mito de Carmen, encarnando la pasión, libertad y fuerza femenina a través de la moda flamenca.

El personaje de Carmen, nacido de la novela de Mérimée y convertido en icono universal por la ópera de Bizet, es presentado como símbolo de empoderamiento, feminismo e inclusión. Esta muestra, organizada por Qlamenco y abierta hasta el 30 de noviembre de 2025, reúne el talento de veinte diseñadores y artesanos andaluces que reinterpretan a Carmen en clave contemporánea y tradicional.

Cada diseñador expone su versión de Carmen, jugando con siluetas, tejidos y acabados que dialogan entre lo clásico y lo moderno. Se pueden descubrir versiones de Carmen tanto del siglo XIX como del XXI, mostrando su carácter indomable y empático, fuente de inspiración constante para la moda flamenca y la cultura andaluza.

Buscando dignificar la artesanía y la moda flamenca, “Looking for Carmen” reivindica la costura como seña de identidad regional, defendiendo valores como la manualidad, el trabajo exclusivo y la diferencia. Es una invitación a descubrir la fuerza y humanidad del mito de Carmen y su relevancia artística en pleno corazón de Sevilla.

Donde tú ves basura, Torremolinos descubre hermosura

La exposición “Donde tú ves basura, yo veo hermosura” propone una reflexión profunda sobre el consumo, el reciclaje y la manera en que miramos los objetos desechados en la vida cotidiana.

Una propuesta transformadora

El proyecto reúne a varios artistas contemporáneos que utilizan materiales reciclados y objetos recuperados de la basura para convertirlos en auténticas piezas de arte. La idea central es sencilla pero contundente: lo que a primera vista parece inservible o destinado al vertedero puede, con creatividad, resignificarse y adquirir una segunda vida.

Materiales con nueva vida

En la muestra se exponen esculturas, instalaciones y collages compuestos por plásticos, maderas, metales oxidados y textiles en desuso. Cada obra invita al visitante a cuestionarse el valor que damos a los objetos que nos rodean y a tomar conciencia del impacto de nuestros hábitos de consumo en el medio ambiente.

• -Esculturas formadas a partir de electrodomésticos viejos.

• -Collages que reinterpretan bolsas de plástico como paisajes coloridos.

• -Instalaciones inmersivas con maderas y vidrios recuperados que evocan el mar Mediterráneo

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Un mensaje para la comunidad

Además del valor estético, la exposición busca transmitir un mensaje claro de responsabilidad ambiental. Frente a la cultura del usar y tirar, los artistas proponen una mirada sensible, en la que la transformación de lo descartado demuestra que la basura puede convertirse en belleza, y que cada pequeña acción de reciclaje suma en la construcción de un futuro sostenible

Se puede visitar gratuitamente en el Centro Cultural de Torremolinos hasta el próximo 21 de noviembre