Un mural con alma de cerámica en la parroquia de San Gonzalo

Hay obras que, sin necesidad de estar hechas de cerámica, hablan perfectamente su lenguaje. Eso es lo que ocurre con el graffiti de Kato en la parroquia de San Gonzalo, en Sevilla: una intervención urbana que, más que pintada, parece construida a partir de azulejos.

Un muro que parece salido de un taller

A primera vista, el mural engaña. Las formas, los contornos y el uso del color recuerdan inevitablemente a la cerámica vidriada. Todo está organizado como si fueran piezas ensambladas, como si cada fragmento formara parte de un mosaico cuidadosamente diseñado.

Sin embargo, no hay barro ni horno, solo pintura. Y ahí está precisamente la fuerza de la obra: en su capacidad para trasladar la estética cerámica al lenguaje del graffiti sin perder identidad urbana.

El guiño a Triana

En una ciudad como Sevilla, y especialmente en un entorno cercano a Triana, la referencia no pasa desapercibida. La cerámica no es solo un arte, es parte del paisaje visual y emocional. Kato recoge ese imaginario y lo transforma, llevándolo al muro con una lectura contemporánea.

El resultado no es una copia de lo tradicional, sino una reinterpretación. El mural no imita, dialoga. Se mueve entre lo reconocible y lo nuevo, entre lo artesanal y lo urbano.

Una intervención que encaja

Lo interesante es que, pese a tratarse de graffiti, la obra no desentona con el entorno de la parroquia de San Gonzalo. Al contrario, parece integrarse con naturalidad, como si siempre hubiera estado ahí.

Ese equilibrio es difícil de conseguir. El mural mantiene la energía y el carácter del arte urbano, pero adopta una estética que conecta con la identidad del lugar. No invade: se adapta, se mezcla, se deja leer desde lo local.

Mirar dos veces

Quizá lo más sugerente de esta pieza es esa primera duda que genera. De lejos, podría pasar por cerámica. De cerca, se revela como pintura. Ese pequeño juego obliga a detenerse, a observar con más atención.

Y en ese gesto, tan simple como necesario, está parte de su valor. Porque no se trata solo de decorar un muro, sino de activar la mirada, de cuestionar lo que creemos reconocer.

El graffiti de Kato en San Gonzalo es, en el fondo, eso: un cruce de lenguajes. Una obra que demuestra que la tradición también puede aparecer donde menos se espera, incluso en la superficie de un spray

Leyendas del Deporte en La Malagueta: un recorrido emocionante por la historia del deporte

Málaga acoge estos días una propuesta cultural y deportiva que promete despertar la nostalgia, la admiración y la curiosidad de visitantes de todas las edades. El Centro Cultural La Malagueta presenta “Leyendas del Deporte”, una exposición que reúne alrededor de 200 objetos vinculados con algunos de los mayores hitos del deporte nacional e internacional. La muestra puede visitarse del 20 de mayo al 14 de junio, con entrada gratuita.

La exposición, organizada por la Asociación Museo del Deporte, ofrece un viaje por distintas disciplinas a través de piezas originales, material audiovisual y recuerdos de figuras que han marcado época. Entre los objetos más llamativos destacan un Fórmula 1 de Ferrari relacionado con Fernando Alonso, el maillot Banesto de Miguel Induráin y las zapatillas con las que Usain Bolt conquistó el oro en Río 2016.

Un homenaje a los grandes nombres

Uno de los grandes atractivos de la muestra es su capacidad para acercar al público a deportistas que forman parte de la memoria colectiva. En el recorrido aparecen referencias a estrellas del fútbol, el baloncesto, el tenis, el atletismo y el motor, con nombres como Leo Messi, Cristiano Ronaldo, Rafa Nadal, Novak Djokovic, Roger Federer, Carlos Alcaraz, Fernando Alonso, Carlos Sainz, Marc Gené, Toni Bou, Ángel Nieto o Valentino Rossi.

También hay espacio para el deporte femenino y para figuras que han llevado el deporte español a lo más alto, como Carolina Marín, María Pérez y Vero Boquete. La exposición no se limita a mostrar objetos: construye una narrativa emocional sobre el esfuerzo, la superación y la huella que dejan los grandes deportistas.

Objetos con historia

Más allá de los nombres propios, lo que convierte esta exposición en algo especial es el valor simbólico de cada pieza. Ver de cerca unas zapatillas, una camiseta o una antorcha olímpica permite conectar con momentos que en su día fueron vividos por millones de personas. En la muestra se incluyen las tres antorchas olímpicas que han visitado España: México 1968, Atenas 2004 y Barcelona 1992.

Ese enfoque convierte la visita en una especie de museo de la emoción deportiva. No se trata solo de recordar victorias, sino de revivir escenas que forman parte de la historia reciente del país y del deporte mundial. La organización presenta la exposición como un espacio para el homenaje, el recuerdo y la exaltación del deporte como fenómeno de masas.

Una experiencia para todos

La exposición está pensada para un público amplio. Además de las piezas físicas, incluye abundante material fotográfico y audiovisual, así como audioguías accesibles mediante código QR, narradas por voces muy conocidas del periodismo deportivo español, como José María García, María Escario, José Ramón de la Morena, Paloma del Río y Antonio Lobato.

Eso la convierte en una propuesta especialmente interesante tanto para aficionados al deporte como para familias, estudiantes o personas que simplemente disfrutan de las historias bien contadas. Además, el acceso es gratuito y los horarios facilitan la visita durante toda la semana

Con el viento bailan las flores: la poética visual de Aurora Ruiz en el Museo de Málaga

El Museo de Málaga acoge una de esas exposiciones que no solo se visitan, sino que se sienten. “Con el viento bailan las flores”, de la artista Aurora Ruiz, es una propuesta que conecta directamente con la sensibilidad del espectador a través de la naturaleza, el movimiento y la emoción contenida en lo efímero.

Desde el primer recorrido, la muestra envuelve al visitante en un universo delicado donde las flores no son simples elementos decorativos, sino protagonistas de un lenguaje visual cargado de simbolismo. Ruiz utiliza la imagen floral como metáfora de lo transitorio: la belleza que aparece, se transforma y desaparece, como el propio viento que da título a la exposición.

Una experiencia sensorial y simbólica

La obra de Aurora Ruiz destaca por su capacidad para sugerir más que mostrar. A través de composiciones sutiles, colores suaves y una cuidada atención al detalle, la artista crea escenas que parecen suspendidas en el tiempo. El espectador no solo observa, sino que interpreta.

El viento, elemento invisible pero presente, se convierte en hilo conductor de la exposición. Es el agente que mueve, que transforma, que da vida a las flores. Esta idea se traduce en piezas que transmiten ligereza, movimiento y una cierta nostalgia, invitando a reflexionar sobre el paso del tiempo y la fragilidad de lo bello.

Naturaleza y emoción en diálogo

Uno de los aspectos más interesantes de la muestra es cómo logra establecer un diálogo entre lo natural y lo emocional. Las flores, lejos de ser representaciones estáticas, parecen responder a estados de ánimo: hay calma, melancolía, incluso una leve sensación de pérdida.

Este enfoque convierte la exposición en una experiencia íntima, casi introspectiva. Cada visitante puede proyectar sus propias emociones en las obras, lo que hace que el recorrido sea único para cada persona.

Tres cerditos reciclados: manualidad con botes de plástico y ganchillo

Hoy te propongo una manualidad creativa y sostenible: tres cerditos hechos con botes de plástico reciclados y decorados con ganchillo. Solo necesitas botes, hilo, aguja, pegamento y algunos detalles como botones o fieltro. 

Se cubren los botes con una funda tejida, se añaden orejas, hocico y ojos, y se personalizan al gusto. El resultado es un objeto decorativo o útil, perfecto para dar una segunda vida a materiales y disfrutar creando

Ritos, restos y retos: lo que queda y lo que cambia en la cerámica

La exposición “Ritos, restos y retos” del Centro de Cerámica de Triana propone un recorrido muy tangible por la cerámica contemporánea a partir de tres ejes claros. Lejos de quedarse en lo abstracto, la muestra reúne piezas que dialogan directamente con la tradición alfarera del barrio, pero también con sus transformaciones actuales.

Ritos: la huella de lo cotidiano

En esta primera parte aparecen piezas que remiten claramente a los usos tradicionales de la cerámica: vasijas, cuencos, platos o elementos vinculados al ámbito doméstico. Sin embargo, no se presentan como simples reproducciones, sino como reinterpretaciones.

Algunas conservan formas reconocibles pero introducen variaciones en el esmalte o en las proporciones; otras exageran tamaños o alteran su funcionalidad, convirtiendo objetos cotidianos en piezas casi simbólicas. Hay jarras que ya no están pensadas para contener agua, platos que no buscan ser usados, sino evocar el gesto de compartir.

Aquí el interés está en cómo esos “ritos” —comer, guardar, servir— siguen presentes, aunque transformados.

Restos: fragmentos y memoria

Uno de los apartados más interesantes visualmente es el dedicado a los “restos”. Aquí la exposición muestra piezas fragmentadas, ensamblajes y composiciones construidas a partir de elementos rotos o incompletos.

Se pueden ver azulejos quebrados reorganizados en nuevas estructuras, superficies cerámicas erosionadas que dejan ver capas de material, o conjuntos que parecen hallazgos arqueológicos pero que en realidad son creaciones contemporáneas.

Estas obras juegan con la idea de ruina y memoria. No buscan la perfección, sino todo lo contrario: ponen en valor la grieta, el desgaste y el paso del tiempo como parte esencial de la estética.

Retos: experimentar con el material

En la última parte, el enfoque cambia claramente hacia la experimentación. Aquí aparecen piezas que se alejan de la cerámica más reconocible y exploran nuevos lenguajes.

Hay trabajos donde el barro se combina con otros materiales, superficies que rompen con el esmalte tradicional, estructuras más cercanas a la escultura que al objeto utilitario. Algunas piezas desafían incluso la idea de equilibrio o funcionalidad, apostando por formas abiertas, irregulares o tensionadas.

Una exposición que se mira de cerca

Uno de los aciertos de “Ritos, restos y retos” es que obliga a fijarse en los detalles: texturas, grietas, uniones, acabados. No es una exposición de impacto inmediato, sino de observación pausada.

Más que ofrecer respuestas cerradas, propone un diálogo entre piezas muy distintas que comparten un mismo origen: el barro trabajado en un lugar con siglos de historia. Y es precisamente ahí, entre lo heredado y lo experimental, donde la muestra encuentra su verdadero interés.

Ruta de senderismo: Los Baños de Popea

Hay lugares que no se visitan: se descubren poco a poco, entre sombras de encinas y el murmullo constante del agua. La ruta de los Baños de Popea, en Santa María de Trassierra, es uno de esos rincones donde la naturaleza parece haber decidido detener el tiempo.

A apenas unos kilómetros de Córdoba, este sendero se adentra en plena Sierra Morena, ofreciendo un recorrido accesible pero cargado de matices. El camino serpentea entre pinares, alcornoques y vegetación mediterránea, mientras el aire se vuelve más fresco y húmedo a medida que nos acercamos al arroyo del Bejarano. Es entonces cuando aparece el verdadero protagonista: el agua.

Antes de llegar a las famosas pozas, el sendero nos regala pequeños hitos que enriquecen la experiencia. Uno de ellos es la conocida Fuente del Elefante, una construcción singular que, casi escondida entre la vegetación, invita a hacer una pausa. Su nombre despierta curiosidad, y su presencia, humilde pero constante, recuerda la importancia histórica de estos puntos de agua en la sierra.

Más adelante, el paisaje deja entrever otro tipo de memoria: las ruinas de antiguas explotaciones mineras. Restos de muros, estructuras olvidadas y huellas en la tierra que hablan de un pasado industrial hoy devorado por la vegetación. Aquí, la naturaleza y la historia dialogan en silencio, creando un contraste fascinante entre lo efímero de la actividad humana y la persistencia del entorno natural.

Finalmente, el sonido del agua se intensifica y aparece el enclave más esperado. Los Baños de Popea no son una construcción humana, pese a su nombre evocador, sino una formación natural donde el agua ha modelado la roca creando pequeñas cascadas y pozas de tonos rojizos y dorados. El efecto visual es hipnótico, especialmente cuando la luz se filtra entre las ramas y se refleja en la superficie en movimiento.

Este lugar, además de su valor paisajístico, tiene un aire casi mítico. El nombre “Popea” remite inevitablemente a Popea Sabina, esposa del emperador Nerón, lo que añade una capa de leyenda a un paraje ya de por sí sugerente. Aunque no hay evidencia histórica directa, la imaginación encuentra aquí terreno fértil.

La ruta, de dificultad baja a moderada, es ideal tanto para senderistas ocasionales como para quienes buscan una escapada breve pero intensa. El sonido del agua acompaña gran parte del recorrido, creando una atmósfera serena que invita a caminar sin prisa, a detenerse, a observar.

Quizá esa sea la clave de este lugar: no se trata solo de llegar, sino de dejarse llevar. De escuchar cómo crujen las hojas bajo los pies, de notar el cambio de temperatura al acercarse al cauce, de sentir que, por un momento, todo lo demás queda lejos.

Los Baños de Popea no son solo un destino; son una experiencia que entrelaza naturaleza, historia y memoria en pleno corazón de Sierra Morena

Paisajes Cristalinos: cuando el esmalte transforma jarrones en piezas únicas

En el corazón de Triana, donde la tradición cerámica sigue latiendo entre hornos, esmaltes y memorias alfareras, el Centro de Cerámica acoge una propuesta que combina arte, ciencia y asombro: la exposición “Paisajes Cristalinos. La magia de las cristalizaciones de zinc en alfarería”. Una muestra que no solo se contempla, sino que invita a detenerse, observar y dejarse llevar por la belleza inesperada de lo microscópico convertido en arte.

La alquimia del esmalte

Lo que a simple vista podría parecer una superficie decorativa es, en realidad, el resultado de un proceso complejo y casi mágico. Las cristalizaciones de zinc en cerámica surgen durante la cocción, cuando determinados esmaltes, ricos en óxido de zinc, desarrollan estructuras cristalinas visibles. Estas formas, que recuerdan a flores heladas, estrellas o paisajes minerales, no se pueden controlar completamente, lo que convierte cada pieza en única e irrepetible.

La exposición pone en valor precisamente ese equilibrio entre técnica y azar. El ceramista actúa como mediador, preparando las condiciones —temperatura, composición, tiempos de enfriamiento—, pero es el propio material el que “decide” finalmente el dibujo que aparecerá sobre la superficie.

Paisajes que nacen del fuego

Recorrer la exposición es adentrarse en un universo de formas orgánicas y texturas hipnóticas. Algunas piezas evocan galaxias en expansión; otras, jardines congelados en el tiempo. Hay algo profundamente poético en estas cristalizaciones: parecen paisajes lejanos, pero nacen en el interior de un horno.

El montaje expositivo permite apreciar de cerca los detalles, invitando a una contemplación pausada. No es una muestra para ver con prisa. Cada obra exige su tiempo, su distancia y su acercamiento, casi como si estuviéramos observando a través de un microscopio artístico.

Tradición y experimentación en Triana

El Centro de Cerámica de Triana, espacio que ya de por sí es un homenaje a la historia alfarera del barrio, se convierte aquí en el escenario perfecto para este diálogo entre tradición e innovación. Las técnicas de cristalización, aunque conocidas desde hace décadas, siguen siendo un campo de experimentación dentro de la cerámica contemporánea.

Esta exposición conecta, por tanto, con la esencia de Triana: un lugar donde el saber hacer tradicional convive con nuevas formas de expresión artística. La cerámica deja de ser únicamente funcional o decorativa para convertirse en un medio de exploración estética y científica.

Una experiencia para mirar despacio

“Paisajes Cristalinos” no es solo una exposición, es una invitación a cambiar la forma en la que miramos los objetos cotidianos. A descubrir que, incluso en una superficie esmaltada, puede esconderse un universo entero.

La familia de piedra que habita el Parque del Almendral

Carmona ha incorporado recientemente a su paisaje urbano una obra que une arte contemporáneo, memoria y naturaleza: el conjunto escultórico “La Familia”, situado en el Parque del Almendral. Desde su emplazamiento, las figuras parecen dialogar con la vega carmonense y con el horizonte abierto que convierte este espacio en uno de los rincones más especiales de la ciudad. No se trata solo de una obra artística, sino de una nueva presencia simbólica en un entorno cargado de belleza y significado.

El conjunto está formado por cuatro piezas de piedra basáltica, concebidas como un grupo familiar. Sus formas monolíticas, sobrias y poderosas, recuerdan a las estructuras antiguas y a los grandes volúmenes del arte megalítico, aunque reinterpretados desde una sensibilidad plenamente contemporánea. Esa mezcla de solidez y sencillez hace que la obra transmita una sensación de permanencia, como si hubiera estado siempre ahí, formando parte del paisaje.

La autoría corresponde a Xavier Corberó, uno de los grandes nombres de la escultura abstracta española. Su lenguaje artístico se caracteriza por la búsqueda de la esencia, por la tensión entre materia y vacío, y por una capacidad singular para integrar la obra en el espacio que la rodea. En Carmona, esa vocación encuentra un marco ideal: el parque, la luz y las vistas a la vega refuerzan la dimensión contemplativa de la escultura.

La elección del Parque del Almendral no parece casual. Se trata de un lugar pensado para el paseo, la observación y el encuentro con la naturaleza, lo que permite que la escultura no quede aislada, sino en relación directa con quienes la visitan. Así, “La Familia” transforma un espacio cotidiano en una pequeña experiencia cultural al aire libre, accesible para vecinos y visitantes sin necesidad de entrar en un museo.

Más allá de su valor estético, la obra tiene también un fuerte componente simbólico. La idea de familia, representada en piedra, remite a la unión, la continuidad y la transmisión entre generaciones. En un tiempo en el que muchas ciudades buscan reforzar su identidad cultural, Carmona apuesta por sumar arte a sus espacios públicos y por hacerlo de una manera que dialogue con su paisaje y su historia.

“La Familia” es, en definitiva, una obra que invita a detenerse. Frente al ruido y la prisa, propone silencio, contemplación y una lectura más profunda del entorno. En el Parque del Almendral, estas figuras de basalto no solo decoran el paisaje: lo transforman y lo enriquecen, recordando que el arte también puede habitar al aire libre y formar parte de la vida diaria de una ciudad.